LA PEAU DOUCE - François Truffaut - 1964

Cela vous est-il déjà arrivé? Avoir une envie irrépressible de revoir un film? C'est exactement ce qui m'est arrivé l'autre soir avec "La Peau Douce" de François Truffaut. Je n'avais qu'une seule envie depuis le milieu d'après-midi : revoir ce bijou, si mal reçu à sa sortie en 1964, tellement boudé, alors qu'il s'agit là d'un film sublime, mystérieux, que l'on pourrait facilement rapproché d'un Hitchcock. Triste aussi, ou plutôt mortifère, mettant en scène la réalité profondément déprimante de l'adultère.

Une voiture file à toute allure en direction de l'aéroport. Les passagers sont inquiets: Pierre arrivera-t-il a prendre son avion pour Lisbonne où il doit aller donner une conférence sur Balzac. Pierre, c'est Pierre Lachenay (Jean Desailly), un écrivain à succès, directeur d'une revue de littérature, qui parcourt l'Europe pour des séances de dédicaces ou pour des conférences. Il est marié et papa d'une petite fille, Sabine. Sa vie est celle d'un bourgeois ordinaire: un mariage qui fonctionne, une "mademoiselle" qui s'occupe de sa fille, un couple d'amis fidèles. Mais ce jour-là, une rencontre dans un avion va changer sa vie. Il croise le regard de Nicole (Françoise Dorléac), hôtesse de l'air. A sa façon de la regarder, on comprend rapidement que les deux seront amenés à se revoir. Chose qui se fera dans l'ascenseur d'un hôtel lisboète.

 

 

Suite à cette rencontre, il y a cette scène que j'affectionne : Pierre arpente le couloir qui le mène à sa chambre et regarde les paires de chaussures qui se trouvent devant les portes. Quelques fois il n'y a qu'une seule paire de chaussures, quelle soient féminines ou masculines, et d'autres fois, il y a deux paires de chaussures, ce qui nous laisse imaginer ce qu'il peut bien se passer dans l'intimité des chambres. Arrivé à sa chambre, Pierre s'empare du téléphone et contacte Nicole. Il s'excuse de son manque de galanterie (il ne l'a pas aidée à porter ses paquets) et il lui propose un verre. Ils se verront le lendemain. C'est le début d'une liaison que l'on pense, au départ, confinée à ce seul voyage . Or, de retour à Paris, il ressent le besoin de la revoir. Leur liaison continue.
 

Très vite, Pierre est invité à Reims pour donner une nouvelle conférence. Il y voit là l'opportunité de passer quelques jours avec Nicole. Malheureusement, les choses ne se passent pas vraiment comme prévu. Nicole se retrouve seule, délaissée, Pierre étant accaparé par ses hôtes et particulièrement par Clément (Daniel Ceccaldi), dont la logorrhée l'empêche de la rejoindre. Ils décident donc de fuir Reims et ses obligations pour rejoindre une auberge de campagne: La Colinière.

Nicole, épuisée, s'étend sur le lit et s'endort... Pierre entreprend alors de la déchausser, de remonter délicatement sa jupe jusqu'au haut des ses cuisses, laissant apparaître des jarretelles. Des effleurements, des caresses, et le bas glisse le long de la jambe de Nicole. Cette scène est d'un érotisme troublant, à la limite du fétichisme. Truffaut aime les femmes, et ça se voit.
 

De retour de leur week-end, Franca (Nelly Benedetti), qui a appris qu'il avait quitté Reims plus vite que prévu, n'est pas dupe. Elle quitte Pierre, non sans l'avoir quelque peu culpabilisé (cela fait deux nuits qu'elle ne dormait plus). Pierre, se sentant soudainement libre, court chez Nicole pour lui annoncer la nouvelle. Mais elle le quittera également.

Truffaut, dont c'est déjà le 9ème film en 1964, après des chefs-d'œuvre tels que "Les 400 coups",

"Tirez sur le Pianiste" ou encore "Jules et Jim", prouve dans ce films à quel point il adule les femmes. Les femmes ont le pouvoir, mais elles n'en perdent pas en féminité, au contraire! Il a cette capacité extraordinaire de sublimer la féminité dans ce qu'elle a de plus fragile, mais également dans ce qu'elle a de plus fort. Franca et Nicole, chacune à leur manière, prennent des décisions en plein jour et les assument jusqu'au bout, complètement conscientes des conséquences de leurs actes.
 

Si vous pensez vous trouver en face d'un nième film sur l'adultère, version vaudeville ou théâtre de boulevard, vous vous trompez lourdement. Ce film est d'un réalisme brutal. La position délicate et douloureuse de la maîtresse est magnifiquement mise en scène. Le couple marié, dans tout ce qu'il peut apporter comme désenchantement, est montré avec une justesse implacable, presque effrayante. Et la lâcheté de Pierre... cette lâcheté qui le fait tenter un retour vers Franca lorsque Nicole le quitte. La peur d'être seul? Sûrement plus que l'amour qu'il porte à son épouse. Il n'y a pas de poésie dans ce film. Oubliez le romantisme de la liaison adultérine avec son train de rendez-vous clandestins, d'acte amoureux dans des hôtels entre midi et deux ou entre cinq et sept... non! Le son du battant d'une grande pendule nous rappelle, que les secondes, les minutes passent , entraînant Pierre inéluctablement vers sa chute.

Au niveau visuel, Truffaut n'a pas peur de rester de longues secondes dans le noir... et d'utiliser la lumière ou l'absence de lumière comme on utiliserait une arme à feu. Stupéfiant!
 

J'écris ces quelques lignes en étant encore sous le coup de l'émotion. C'est un de ces films qui me fait réagir de manière physique: frissons de plaisir, tristesse, tensions, sourires même (notamment grâce au personnage de Clément). La musique n'est pas en reste: elle est composée par Georges Delerue et elle est bouleversante. Probablement mon film préféré de Truffaut ou du moins dans le top 3. Un très très grand film.

ST / 16 août 2015

LES PETITES FUGUES - Yves Yersin - 1979

"Les petites Fugues" : c'est la liberté à laquelle nous aspirons tous. La découverte de nouveaux espaces qui jusque-là nous étaient inconnus. C'est sentir le vent dans nos cheveux, la pluie sur notre visage, le soleil sur notre peau. C'est se sentir léger et avoir le sentiment de voler. C'est réaliser nos rêves. Et c'est monter jusqu'au sommet de La Berra avec son vélomoteur et écouter siffler les planeurs entre les sommets. C'est visiter une fabrique de chocolats. C'est assister à une course de motocross et tendre une belle pomme verte au vainqueur. Et c'est manger des glaces et gagner un appareil photo. C'est surtout l'histoire de Pipe.

 

Plus de trente ans que Pipe (Michel Robin) est garçon de ferme chez les Duperrey. Il travaille dur. Il est considéré comme un membre à part entière de la famille. Avec ses premières rentes AVS, il décide de s'acheter un vélomoteur. Luigi, le saisonnier qui travaille sur l'exploitation, l'initie à la conduite de ce drôle de vélo. Après des débuts laborieux, Pipe prend du plaisir à ses petites escapades. Tout d'abord le dimanche, puis ensuite sur semaine, négligeant son travail et provoquant la colère de son patron. Un jour qu'il part en balade, il se prend une jolie cuite et provoque un accident à son retour. C'est la police qui le ramène à la ferme. La mobylette est confisquée. Dans un accès de colère, Pipe va jusqu'à brûler son vélomoteur. Il lui reste son appareil photo qu'il a gagné à une foire populaire. Il mitraille et accroche les photos contre les murs de sa chambre, avec fierté: c'est son reportage sur la ferme. Ultime cadeau que Pipe s'offre: un vol en hélicoptère au-dessus du Cervin. Mais déçu que le somment de ce dernier est plat, il abrège le vol et rentre à la ferme, car "il a du boulot en-dessous", du moins c'est ce qu'il dit au pilote. Et c'est là que le père Duperrey annonce qu'il remet la ferme à son fils. Mais que va devenir Pipe? Il monte une dernière fois au sommet du tas de fumier...

 

 

 

 

Michel Robin, qui interprète Pipe, n'a que 49 ans au moment du rôle. C'est un tour de force et une véritable performance d'acteur. Il est remarquable et extrêmement touchant. Pipe, c'est un peu le garçon de ferme que tous ceux qui ont grandi en campagne ont croisé. Dans mon village, il s'appelait Hermann. C'était un vieux garçon qui se déplaçait en vélomoteur (!), qui levait un peu trop le coude et qui faisait peur à certains enfants. Il était un peu simple, un peu gauche, comme Pipe.

 

 

 

"Les petites Fugues", c'est un concentré de poésie, une ode à la liberté. A voir et revoir ne serait-ce que les quelques scènes d'anthologie qu'il contient: la scène de l'apprentissage de la conduite avec Luigi, la partie de carte payée en chocolat entre Pipe, Josiane et Luigi ou encore la séance d'auto-portraits que Pipe effectue dans sa chambre, entre autres...

 

 

Pour le surplus, je ne résiste pas à vous faire (re)découvrir le magnifique texte qu'avait écrit Freddy Buache, membre fondateur de la cinémathèque suisse et directeur de celle-ci de 1951 à 1996, à la sortie des "petites Fugues". Un délice!

 

Freddy Buache : La quête de Monsieur Pipe

 

"Depuis quarante ans, le vieux Pipe travaille dans la même ferme de Gros-de-Vaud. C'est dire qu'il occupe, sociale-ment, une place particulière, typique de la civilisation paysanne de nos régions, surtout jusqu'au moment de la mécanisation systématique de l'agriculture: dévoué, rude à la tâche, ce domestique de campagne, par son fidèle attachement au clan, fait partie de la famille dans tous les domaines de l'existence quotidienne ou sentimentale; on l'invite aux fêtes, il partage les soucis ou les plaisirs de ses employeurs et, pourtant, sur le plan précis des affaires d'argent (ou de gestion de l'entreprise), il reste un serviteur qui n'a pas le droit à la parole. En somme, Pipe est un esclave que le paternalisme des maîtres semble rendre heureux (il possède le gîte, le couvert, même un peu d'affection, et de quoi se payer un verre de vin le dimanche); mais ce bonheur apparent, proche à certains égards de celui que vivent les gens d'aujourd'hui dans leur rapport à l'Etat, masque mal un manque essentiel: celui de l'authentique liberté. Pipe va en faire l'apprentissage grâce à l'acquisition d'un vélomoteur, véhicule qui va lui permettre de s'approprier un espace qu'il fut contraint d'ignorer: celui des champs et des forêts au-delà de son habituelle aire de labeur, celui du lointain, celui du ciel. Le magnifique film d'Yves Yersin, par sa beauté fraternelle et sa vérité, montre avec lyrisme la découverte de cette liberté, les rêves qu'elle nourrit, les extases qu'elle procure, et ce qui sournoisement la menace. D'ailleurs, ce qui la menace en constitue le prix incalculable et, parce qu'il exprime l'inexprimable mystère de ce fondement de la condition humaine en partant d'un intelligent scénario qui maintient vivante la dialectique au coeur du poème, Yersin peut cerner continuellement la justesse naturaliste pour la dépasser dans le sens du chant. Jusqu'à un certain point de son récit, Yersin (je pèse mes mots !) signe un chef-d'oeuvre; jamais (Roméo et Juliette au village compris avec, bien entendu, l'ensemble du nouveau cinéma suisse) une création du septième art conçue et réalisée dans notre pays n'atteignit ce niveau de bouleversante évidence: nos réalités extérieures et intérieures saisies à vif dans leur particularisme, puis remodelées pour éclater en plein universalisme concret. L'élaboration très subtile du rôle effectuée par Michel Robin sous la direction du réalisateur n'y est évidemment pas pour rien: il incarne Pipe le Vaudois avec une exactitude confondante et le pousse au mythe.

Puis l'auteur s'intéresse de plus près aux actions des autres protagonistes, aux amours de Josiane avec Luigi, aux difficultés du fils avec sa fiancée et avec l'avenir de l'entreprise paysanne, aux soucis du père, aux douleurs inavouées et solitaires de la mère ; il développe des anecdotes annexes, s'attarde sur des situations secondaires, souligne des éléments qui touchaient mieux et en disaient plus, paradoxalement, lorsqu'ils étaient simplement esquissés autour de Pipe, car la réussite exceptionnelle du premier mouvement de ce spectacle tient à la façon de présenter et d'analyser l'ensemble par une seule de ses parties, de préciser sans cesse le thème général en dressant avec amour le portrait d'un individu.
A la fin, Pipe s'envole en hélicoptère et tourne autour du Cervin pour comparer ce pic célèbre avec l'image suspendue à la paroi de sa chambre que, depuis toujours, il admire en rêvant de s'en approcher. Amer constat: la pointe dorée au soleil couchant, symbole de grandeur et de pureté dans les cantiques et les prières patriotiques n'est qu'un amas de cailloux. Le tracteur a remplacé les chevaux. Le profit exige la culture intensive, l'élevage industriel, des calculs de rendement. Une civilisation qui ne manquait pas de souffrances ni d'injustices, mais qui possédait un rythme en accord avec les saisons, a disparu. Celle des technocrates et des fonctionnaires la remplace. Où, dans cette mutation, l'homme trouvera-t-il sa place ? Quel futur pour l'amical Pipe? Pour nous? " F.B.

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DON'T BOTHER TO KNOCK - Roy Baker - 1952

 

 

Sorti en 1952, "Don't bother to knock" (en français "Troublez-moi ce soir"), offre à la sculpturale Marilyn Monroe son premier grand rôle. Cantonnée depuis 1947 à de tout petits rôles (pour certains même pas crédités), le personnage de Nell Forbes permet de révéler une Marilyn qui existe au-delà de son image de bombe sexuelle.

 

 

J'ai découvert ce film à l'adolescence lors d'une soirée où je faisais du baby-sitting (oui chers parents, vos enfants sont gardés par des jeunes filles qui une fois les bambins couchés regardent la TV...). J'ai été touchée par cette femme que je n'avais vu à l'époque que dans des films légers, divertissants, mais néanmoins remarquables et majeurs, dans lesquels elle n'était que la ravissante idiote blonde ("Les hommes préfèrent les blondes", "Comment épouser un milliardaire" ou "Certains l'aiment chaud"). C'est avec ce film que mon admiration pour Marilyn est née.

 

Nell Forbes est une jeune femme qui débarque dans un hôtel parce que son oncle, groom dans l'établissement, lui a dégoté un job de baby-sitter pour la soirée. Elle est timide et réservée, parle très doucement et avec beaucoup de retenue. Elle doit s'occuper d'une petite fille pendant que les parents de cette dernière se divertissent au bar de l'hôtel. La petite couchée, Nell fouille dans les affaires de la mère. Elle essaie ses vêtements, ses bijoux, son parfum. Elle se met à rêver qu'elle est quelqu'un d'autre. Son regard croise celui de l'homme de la chambre vis-à-vis de la sienne. Ils se parlent tout d'abord de fenêtre à fenêtre et installent un jeu de persiennes des plus charmants.

 

 

 

 

A ce stade du film, on a tous les ingrédients pour nous faire croire que nous sommes en train de visionner une gentille comédie romantique... que nenni! "Don't bother to knock" est en fait une tragédie!

 

 

 

Jed Towers, le voisin, interprété par Richard Widmark, rejoint Nell dans sa chambre. Il lui fait du charme. Nell qui est émotionnellement instable et qui sort d'un séjour de 3 ans en institution, s'éprend immédiatement de ce séduisant voisin. Jed remarque, en voulant quitter la chambre, que Nell porte à ses poignets les stigmates d'une tentative de suicide. Il comprend dès lors que cette jeune femme est non seulement un danger pour elle-même, mais qu'elle est potentiellement dangereuse pour les autres. Son attitude face à l'enfant le prouve: elle ne sait comment faire pour qu'elle cesse de pleurer. Elle finira par ligoter l'enfant sur son lit.

 

 

 

 

Ce film a tout du huis-clos, se déroulant presque exclusivement dans la chambre de Nell. Les quelques excursions dans l'hôtel ne sont là que pour illustrer l'histoire parallèle qu'est celle de Jed et Lyn, la chanteuse du bar de l'hôtel, interprété par Anne Bancroft (inoubliable Mrs Robinson du "Lauréat") dont c'est le tout premier rôle, essentiellement chanté. On aurait souhaité ne pas quitter aussi souvent la chambre, afin de conserver la tension dramatique. Le film étant déjà court, 1heure 15, cela aurait intensifié le tout. Mais cela n'enlève rien à la beauté de ce film, même si certains ont vertement critiqué le manque de mise en scène, reprochant à Roy Baker de suivre les acteurs plutôt que d'installer un réel suspense.

 

Ce film révèle la véritable tragédienne qu'était Marilyn Monroe, sommet de cette nature profonde qu'elle atteindra avec "The Misfits" en 1961, soit un an avant sa disparition.

 

 

 

Marilyn avait à l'époque 26 ans. Elle possédait ce visage enfantin qui faisait hiatus avec ce corps à la féminité ravageuse. Sa troublante interprétation de Nell laisse la porte ouverte à plein de suppositions dignes des plus grands psychologues de comptoir. La jeune Norma Jeane ayant été placée dans différentes familles d'accueil pendant son enfance et son adolescence, sa mère étant internée,  s'est-elle inspirée de cette dernière pour donner vie à Nell? Cette voix si douce et ce phrasé si particulier seraient-il dûs au fait qu'elle bégayait adolescente? Ces questions restent ouvertes et il n'est pas nécessaire d'aller gratter plus loin, il convient juste de saluer la performance d'actrice.

 

"Don't bother to knock" sort un an avant "Niagara" de Henry Hathaway qui fera d'elle et pour les dix années qui lui restent à vivre, un sex symbol interplanétaire. Une femme autant adulée que détestée, mais dont le mythe, 50 ans après son tragique décès, est resté intact.

 

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BREEZY - Clint Eastwood - 1973

Alors que Clint Eastwood met ses fans quelque peu mal à l'aise en s'adressant, dans un monologue un peu confus, à une chaise vide, censée représenter Barack Obama, lors de la convention républicaine à Tampa, et que les réseaux sociaux s'affolent, je crois qu'il est temps de remettre les ponts au milieu du comté de Madison, la douche au milieu du vestiaire ou encore Blondin au milieu du désert! Remettons les choses à leur place... déjà que "Citizen Kane" n'est plus le meilleur film au monde (!), laissons à Eastwood les talents de comédien et réalisateur qui sont les siens!

Si certains dérapages sont inadmissibles, tel celui de Lars von Trier à Cannes en 2011, et il s'agit là d'un cas extrême, les tendances républicaines de Clint Eastwood ne sont pas nouvelles et on n'est pas en train de parler d'un parti d'extrême droite ou de propos néonazis...

Ce n'est pas la première fois qu'Eastwood est attaqué de front: Spike Lee l'avait vertement apostrophé pour "Mémoires de nos Pères", lui reprochant l'absence de soldats afro-américains dans son film, laissant sous-entendre un certain racisme de la part d'Eastwood. Mais c'est oublier que le même Eastwood a réalisé un magnifique film sur Charlie Parker, "Bird"! Ou en 2008, "Gran Torino". Même si au départ le personnage de Kowalski est profondément raciste, il évolue et devient tolérant et va même jusqu'à payer de sa vie pour que justice soit faite. Et c'est sans parler d'"Invictus" en 2009. Eastwood raciste?  Je ne le crois pas.

Ambigu, Eastwood? Peut-être. Sûrement. Sa filmographie en tant que réalisateur le prouve. Il s'est attaqué à des sujets aussi troublants que dérangeants tels que : les abus sexuels sur les enfants avec les traumatismes qui s'en suivent dans " Mystic River", la boxe féminine et l'euthanasie avec "Million Dollar Baby", l'adultère avec "Sur la Route de Madison", le double regard sur la bataille d'Iwo Jima qui opposa les américains aux japonais avec "Mémoires de nos Pères" et "Lettres d’Iwo Jima",  ou encore les amours particulières dans "Breezy", le film dont je vais vous parler.

Résumer Clint Eastwood à ce discours fait en "faveur" de Mitt Romney serait absolument ridicule.

Bon, après ce préambule qui a tout du plaidoyer, revenons à l'essence même de ce blog: le cinéma!

"Breezy" est le troisième film de Clint Eastwood. Il a été réalisé en 1973, après "Un Frisson dans la nuit" et  "L’Homme des hautes Plaines".

Alors que l'Amérique, et le monde entier, pleure encore sur les amours tragiques d'Oliver Barrett IVe du nom et Jennifer Cavalleri ("Love Story" d'Arthur Hiller, 1970), Eastwood réalise un film sur l'histoire d'un homme quinquagénaire qui s'éprend d'une jeune hippie de 17 ans. Même dans les années 70 très "open", ce film a un léger parfum de scandale. Mais au final, c'est un film qui parle d'amour, un point c'est tout.

Edith Alice Breezerman dite "Breezy" est orpheline de père et de mère. Après l'obtention de son diplôme de fin d'études, elle entreprend de prendre la route. C'est une jeune hippie, joyeuse, aux propos teintés d'angélisme, non dénuée d'humour. Une vraie pipelette, qui a son mot à dire sur tout et sur tout le monde. Elle n'a pas la langue dans sa poche. Elle prône la liberté de vivre, de penser. Lui, c'est Frank Harmon. Agent immobilier, la cinquantaine. Il vient de divorcer et se retrouve complètement aigri, refusant tout attachement, de quelque nature que ce soit.

Ces deux-là vont se croiser. Au départ, on pense que Breezy (Kay Lenz)  est une petite arriviste qui tire profit de toutes les situations, mais on se rend rapidement compte qu'elle n'est que sincérité et spontanéité. Franky (William Holden), quant à lui représente l'American Way of Life vu par la droite conservatrice: un tantinet orgueilleux, riche, macho et vaniteux. Mais en réalité, c'est un homme plein de douceur, j'en veux pour preuve le moment où il sauve un chien d'une mort certaine. Scène du premier conflit entre Breezy et Franky comme elle l'appelle affectueusement.

Ils vont entamer une liaison, qui va les mettre face aux préjugés de la société, mais qui surtout va les mettre face à leurs propres désirs et attentes.

Une histoire d'amour sans gros cataclysme, mais d'une grande sincérité. Elle touche par sa simplicité apparente. Mais en fait, ce sont deux Amériques qui se rencontrent: celle plutôt libérée, utopiste et celle avide de pouvoir, d'argent et de conquêtes.

Ce film pourrait faire penser à une énième histoire de Lolita, mais étrangement, malgré la très grande différence d'âge qui sépare les deux personnages, on ne ressent aucun malaise contrairement à celui que l'on éprouve en lisant l'oeuvre de Nabokov ou en visionnant l'adaptation très controversée qu'en a fait Stanley Kubrick en 1962 (controversée, dérangeante, mais remarquable!).

C'est une histoire touchante, un peu mièvre diront certains. Mais il reste que ce film a un peu tout du conte de fées. Les images sont magnifiques, la réalisation sublime, les clichés liés au mouvement hippie soigneusement évités (mis à part le fait que Breezy ne porte pas de soutien-gorge). Même si Eastwood a fait nettement mieux plus tard dans le registre "histoire d'amour", avec "Sur la Route de Madison", "Breezy" doit être vu au moins une fois, parce qu'il est plein de charme. Et le charme, finalement, plus que la beauté, c'est l'ingrédient qui fait que l'on tombe amoureux.

Donc, regardez "Breezy" et tombez amoureux... la musique de Michel Legrand vous y aidera aussi!

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LAST TANGO IN PARIS - Bernardo Bertolucci - 1972

J'ai découvert "Le dernier Tango à Paris" lorsque j'étais jeune adolescente, je devais avoir 14 ans, quelque chose comme ça. J'allais à l'école secondaire en ville et j'avais, avec l'autorisation de mes parents, une carte de vidéo-club. J'allais donc régulièrement après les cours, louer des vidéos pour les voir à la maison et pour les faire partager à ma famille. "Le dernier Tango à Paris", celui-là, je l'ai loué en cachette. Le propriétaire du vidéo-club, qui savait que j'étais une grande cinéphile (malgré mon jeune âge), m'autorisa à louer "Le dernier Tango à Paris", bien qu'il était interdit aux moins de 18 ans.

Le grand défi, c'est aussi de vous parler de ce film que j'aime sans passer pour une tordue, tant ce film a une connotation sexuelle, perverse. C'est un film cru, sans concessions. Bertolucci se laissait littéralement diriger par Marlon Brandon, lequel a beaucoup contribué à la réputation sulfureuse de cette pellicule. La scène la plus connue, même de ceux qui n'ont jamais vu le film (!), est celle de la plaquette de beurre et de la sodomie qu'impose le personnage de Brando à Jeanne, interprétée par Maria Schneider. Mais résumer ce film à cette seule scène est une grosse erreur! C'est la rencontre de deux êtres désespérés. Jeanne est jeune, amoureuse de son compagnon qui joue à faire le cinéaste, totalement consciente de l'effet que son corps produit sur les hommes. Une jeune femme qui a besoin de plaire, de se sentir désirable. Paul, quant à lui, est un homme dans la fleur de l'âge, mais rongé par le suicide de sa femme Rosa. Il est inconsolable. On a l'impression que la seule façon pour lui de se sentir encore vivant est d'abuser du sexe. Le sexe procurant une sensation de vie, de puissance, à cet homme qui prend l'ascendant sur une jeune femme à qui, il fait, d'une certaine façon, découvrir la sexualité dans sa nature la plus crue. Pas de sentiments, pas de noms : du sexe.

Ce film a fait scandale à sa sortie et a marqué les mémoires. En Italie, lorsqu'il sortit en décembre 1972, il fut aussitôt interdit et un long procès s'en suivit. Le film n'a été réhabilité qu'en 1987 et les italiens purent alors le voir. En Espagne, qui souffrait alors sous le régime de Franco, le film fut aussi interdit. Les espagnols faisaient alors le voyage vers la France, pour voir ce film qui était devenu un symbole de liberté et de désir d'ouverture dans les dernières années de la dictature.

Le film débute sur un quarantenaire, Paul (Marlon Brando) qui jure en entendant passer le train. Le bruit du train l'insupporte. Passe alors une jeune femme, Jeanne (Maria Schneider). Elle est vêtue d'un long manteau blanc et d'un chapeau en feutre noir surmonté d'une fleur violette.

Elle est en quête d'un appartement à louer. Elle en visite un et tombe sur Paul qui lui aussi a jeté son dévolu sur le même bien. Rapidement, ils font l'amour. Mais pas de noms. Paul ne veut pas savoir qui elle est. Chacun repart de son côté. Ils se reverront et deviendrons amants. Leur histoire, intense et passionnelle, ne durera que quelques jours.

L'appartement où ils se rencontrent agit comme un cocon qui les préserve non seulement du temps, mais également du regard inquisiteur que pourrait poser la société sur un tel couple. Paul provoque Jeanne dans des jeux érotiques, il impose également sa vision de la sexualité et ses propres codes.
Ce qui choque le plus, ce sont les propos : les scènes de sexe se situant, même si elles sont explicites, dans l'imaginaire du spectateur, tant les détails qui sortent de la bouche du personnage de Brando ne laissent planer aucun doute sur ce qu'il est en train de se passer.

Les scènes les plus puissantes du film sont, à mon avis, celle où Paul se recueille dans la chambre mortuaire de son épouse décédée et qui révèle, s'il était encore besoin de le faire, le talent fou de Brando, celle du grand concours de tango où le discours et le comportement des amants contrastent avec celui des danseurs à l'élégance toute argentine et bien sûr, la course poursuite dans les rues de Paris où Paul poursuit Jeanne qui déjà ne l'aime plus. La fin est tragique, digne des plus grandes histoires d'amants maudits.

J'espère vous avoir donné l'envie de (re)découvrir "Le dernier Tango à Paris". Mesdames, sachez que Marlon Brando n'aura jamais été aussi séduisant que dans ce film et messieurs, Maria Schneider est sublime. Voyez, revoyez ce film, forgez votre propre opinion et passez outre les clichés qui circulent à son propos: c'est un chef-d'oeuvre qui vous marquera à jamais.

Vous voulez en savoir plus, notamment sur l'influence des peintures de Francis Bacon sur Bertolucci, c'est ici.


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THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW - Jim Sharman - 1975

"The Rocky Horror Picture Show", c'est un des incontournables de ce que l'on appelle les "Midnight Screenings": les séances de minuit. Ces séances qui ont permis à tant de films non seulement d'exister, mais de devenir, avec le temps, cultissimes. J'en veux pour preuve: "Eraserhead" de Lynch, "La nuit des morts-vivants" de Romero, "Pink Flamingos" de Waters et j'en passe et des meilleurs. "The Rocky Horror Picture Show", c'est tout à la fois: du sexe, de la musique décalée, un hommage aux films d'horreur, de science-fiction. Un grand melting pot déjanté! Pour notre plus grand plaisir. C'est aussi l'adaptation grandiose, au cinéma, de "The Rocky Horror Show", une comédie musicale de Richard O'Brien qui fut créée à Londres en 1973.

L'histoire se résume assez facilement. Brad (Barry Bostwick) et Janet (Susan Sarandon), deux étudiants bien propres sur eux sont au mariage de leurs meilleurs amis. Brad saisit l'occasion pour demander la main de Janet. Elle accepte. Ils prennent alors la route pour aller annoncer la bonne nouvelle à leur ancien professeur, le professeur Scott. Sur le chemin vers Scott, ils tombent en panne en rase campagne. Comble de malchance, il pleut. Trempés jusqu'aux os, ils frappent à la porte d'une espèce de manoir. Ils sont accueillis par Riff Raff (Richard O'Brien !) et Magenta (Patricia Quinn), deux domestiques complètement allumés. Brad et Janet ne soupçonnent pas encore qu'ils viennent de mettre les pieds dans un univers de fous: la convention annuelle transsylvanienne.

Le maître des lieux? Le Dr Frank-n-Furter (Tim Curry). Un savant fou transsylvanien, bisexuel. Tout un programme! Janet s'évanouit lorsque Frank-n-Furter apparaît maquillé à outrance et vêtu d'une guêpière, de bas et portant des talons aiguilles d'une hauteur insolente.

Frank-n-Furter propose à Brad et Janet de le suivre dans son laboratoire afin de leur montrer l'homme qu'il a crée: Rocky. C'est presque nus que nos deux anti-héros se retrouvent dans le laboratoire de Frank. Ils assistent, ainsi que tous les habitants du manoir, à la naissance de Rocky: un homme au corps de dieu grec, et tout blond, auquel Frank a donné vie uniquement pour se satisfaire sexuellement. Tout ce petit monde est surpris par l'arrivée d'Eddie (Meat Loaf). Frank, énervé d'avoir été dérangé, tue Eddie. Ce petit incident clos, Frank poursuit de présenter Rocky de façon élogieuse.

La cérémonie de présentation terminée Brad et Janet rejoignent leur chambre respective. Frank les rejoindra tour à tour et les initiera aux joies du plaisir de la chair. Coquinou! Prise de remords, Janet cherche Brad et rejoint le laboratoire. Elle découvre l'infidelité de Brad avec Frank. C'est alors qu'elle entame une chanson suppliant Rocky de la toucher : "Touch me, touche me, I wanna feel dirty!".

Le Dr Scott fait son entrée au manoir. Il est l'oncle d'Eddie. Il révèle à Brad et Janet que Frank et tout son entourage sont en fait des extraterrestres. Frank transforme alors Brad, Janet et le Dr Scott en statues de pierre, le temps de les habiller de sous-vêtements sexy. Il les oblige ensuite à participer à un spectacle de cabaret au sein même du château. Riff Raff interrompt le spectacle et tue tout le monde à l'exception de Magenta, Brad, Janet et le Dr Scott. Il leur ordonne de quitter le manoir. Manoir qui en fait est un vaisseau spatial. Le manoir décolle et Riff Raff et Magenta retournent sur la planète Transsexuelle, dans la galaxie de Transsylvanie.

Une des nombreuses particularités de ce film, est la présence constante d'un narrateur. Il s'agit d'un criminologue. Il intervient non seulement au travers de sa voix, mais également sous forme de petits tableaux, notamment pour nous expliquer la danse du "Time Warp".

Je crois que vous aurez compris que j'adore ce film. Non seulement il est déjanté, mais la musique est absolument géniale! Ce film est, depuis sa sortie en 1975, projeté partout à travers le monde et de façon ininterrompue. 37 ans qu'il est à l'affiche. A Paris, il existe même un cinéma qui ne vit presque exclusivement que sur ce film : le studio Galande, dans le quartier du Marais. Si quelqu'un veut faire une fois le voyage avec moi: welcome!

Votre Cinécution

LE ROI ET L'OISEAU - Paul Grimault - 1980

Pourquoi Le Roi et l'Oiseau? Parce qu'il est urgent de mettre de la poésie dans nos vies!

Je l'ai revu ce dimanche. Une envie. Je repensais aux films d'animation que j'avais vus enfant et celui-ci, de même que La Rose de Bagdad d' Anton Gino Domenighini (http://youtu.be/a033p05Zzqs), sont les deux qui m'ont marquée.

L'Histoire d'une rencontre, 30 ans de travail

 Fin de la 2ème Guerre Mondiale, Jacques Prévert et Paul Grimault se rencontrent. Ils réalisent ensemble Le Petit Soldat. Regardez-le, vous allez en tomber amoureux, je vous le garantis! => http://youtu.be/HlN5zJCHNuo

Prévert et Grimault en 1945

Prévert et Grimault décident de continuer à travailler ensemble et décident d'adapter un conte d'Andersen: La Bergère et le Ramoneur. Ils ne conserveront cependant que les deux personnages principaux, le ramoneur et la bergère. Dès 1945, Prévert commence à élaborer un premier scénario. Ils se rencontrent régulièrement avec Grimault, se laissant des moments de réflexions personnelles où ils ne se rencontrent pas. Jusque vers 1950, Grimault forme une quantité phénoménale de nouveaux animateurs et réussi à réunir plus d'une centaine de personnes autour de lui, constituant ainsi une des équipes les plus importantes d'Europe. Il crée ensuite avec son ami André Sarrut, une société de production Les Gémeaux. Les soucis financiers s'accumulent. Sarrut reproche à Grimault son perfectionnisme. Les deux amis se fâchent. Sarrut décide de sortir La Bergère et le Ramoneur, sans Grimault et son équipe. Prévert et Grimault refuseront de signer cet ouvrage car il ne correspond pas à leurs souhaits. Nous sommes en 1953. Sarrut et Grimault ne se parleront plus jamais.

En 1967, Grimault récupère les droits et le négatif du film. Mais Grimault a évolué. La version de 1953 ne lui correspond plus. Il entreprend dès lors de la revisiter. Il cherche à nouveau des fonds. Des propositions lui viennent des Etats-Unis et de Russie, mais Grimault les refusent. Il souhaite conserver son équipe et rester là où il est. Hors de question pour lui de délocaliser la production de ce film. Finalement, après presque 10 ans, il obtient une aide du CNC (Centre national de la cinématographie), de Robert Dorfmann (qui à l'époque avait déjà produit Le Passe-Muraille ou encore Jeux Interdits), ainsi que le soutient d'Antenne 2 (actuelle France 2).

Grimault travaille alors d'arrache-pied, avec une équipe réduite, mais hautement performante, entre 1977 et 1979. Prévert et lui se voient régulièrement, améliorent le scénario originel, l'enrichissent. Prévert déjà très malade s'impliquera jusqu'à son décès en 1977. Le conflit entre le roi et l'oiseau prend de l'importance, pour finalement s'imposer. Le Roi et l'Oiseau est donc un nouveau film.

Paul Grimault a eu une très grande influence sur le monde du film d'animation, notamment pour les deux fondateurs des Studios Ghibli, Hayao Miyazaki et Isao Takahata. Leurs noms de vous disent rien? Mais vous avez vu leurs films: Mon Voisin Totoro (http://youtu.be/TuLX50_5UAI) , Princesse Mononoké (http://youtu.be/VHtgGmdoYiU) ou le Voyage de Chihiro (http://youtu.be/eik3angwgD4), ours d'or à Berlin en 2002 de Miyazaki, et l'inoubliable Tombeau des Lucioles de Takahata (http://youtu.be/9_KCRIDbEXM).

Merci à Florence Pommery, dont le dossier hyper complet publié en 2003 a servi de référence.

 

Le Roi et l'Oiseau: le film


ATTENTION SPOILERS!

Le roi Charles Cinq et Trois font Huit et Huit font Seize règne sur le royaume de Takicardie. C'est un tyran mégalo, obsédé par son image. Il fait d'ailleurs fabriquer, dans une usine toute consacrée à cela, des bustes à son effigie. Le royaume regorge de représentations du souverain (statues, bustes, portraits...). Le roi est secrètement amoureux d'une bergère qui orne un des tableaux présents dans sa chambre située dans ses appartements secrets. Mais cette dernière est amoureuse du ramoneur qui se trouve sur le tableau juste à côté d'elle. Un soir, les amoureux s'enfuient. L'image du roi représentée sur un tableau en court d'élaboration part à leur poursuite, escortée par la police. Le royaume est averti : une charmante bergère et un petit ramoneur de rien du tout, de rien tout, se sont enfuis. L'oiseau, qui est le pire ennemi du roi (et symbole de liberté), vient en aide à nos deux fugitifs. Malheureusement, le roi, avec l'aide de son gigantesque robot (que l'on découvrira capable de sentiments) attrape la bergère. Il envoie le ramoneur et l'oiseau à l'usine, pour finalement les jeter aux lions. Nos deux malchanceux s'en feront des amis et réussiront à interrompre le mariage entre le roi et la bergère. Le roi prend la fuite avec la bergère toujours prisonnière sur son automate. Mais l'oiseau réussit à prendre les commandes du monstre d'acier. Il fait disparaître le palais, le royaume et son tyran. Le robot à la toute fin du film, libère une des dernières victimes du roi (un petit de l'oiseau) et détruit la cage dans laquelle il était retenu. Un véritable message de paix et de liberté.

Le Roi et l'Oiseau, c'est aussi une merveilleuse bande originale de  Wijciech Kilar (http://youtu.be/ocMZc3B_7gE), qui vous poursuit jusqu'à l'âge adulte et que vous vous surprendrez à siffloter un jour ou l'autre. Les textes des chansons interprétées dans le film sont signés Jacques Prévert et la musique Joseph Kosma. Les dialogues sont aussi de Jacques Prévert.

Le Roi et l'Oiseau véhicule aussi beaucoup de messages et fourmille de références (Fritz Lang et son Metropolis, Les Temps Modernes de Chaplin, le Penseur de Rodin, Inventaire de Prévert, et assimile même le Roi a un des dictateurs les plus sombres de l'histoire qui avait, parmi d'autres atroces credos, celui-ci : le travail rend libre...) Plongez-vous une fois dans tout cela et vous ne verrez plus jamais le Roi et l'Oiseau comme un film fait uniquement pour les enfants.

"Je pense toujours à ceux qui verront nos films, tout ce que nous avons voulu leur dire, tout ce que nous avons semé ne disparaît pas définitivement à la fin du spectacle (…) Un film n’est jamais terminé ; c’est dans l’esprit du spectateur qu’il poursuit son chemin et que la graine, s’il y en a une, va commencer à germer ". Paul Grimault

Votre Cinécution

ERASERHEAD - David Lynch - 1977

ATTENTION SPOILERS!

Le film dont personne ne voulait! Même le American Film Institut, qui avait pourtant donné une somme considérable à David Lynch pour réaliser Eraserhead sous forme de court-métrage suite à son prometteur  Grandmother (http://youtu.be/QLIxS7Bdz10), se retire lorsque le projet de Lynch prend de l'ampleur et dépasse le minutage convenu. Mais Lynch ayant une réserve suffisante de pellicules, continue. Un tournage qui va lui prendre 4 ans!

Avant de rentrer dans le vif du sujet, il faut se mettre "en condition"...

In Heaven, everything is fine...

Le rêve comme seule échappatoire possible? Avec la mort et la folie, c'est un leitmotiv chez Lynch. David Lynch, un des grands cinéastes capable de mener le spectateur où il veut, de le déboussoler, de le perdre, de le noyer. Il fait de nous ce qu'il veut, pour autant que l'on laisse de côté notre esprit rationnel. Mais il nous ne donne pas de réponses. Il nous égare bien soigneusement, plan après plan et nous laisse avec nos interrogations. Chacun est dès lors susceptible d'avoir sa propre interprétation.  Lynch est à mon sens beaucoup moins complexe que l'on pourrait le croire. Si l'on accepte d'ouvrir notre esprit à la poésie, même sombre, on est transporté. Pas besoin d'analyser, il faut laisser l'univers de Lynch venir à nous. On dirait le discours d'une allumée? Peut-être. Mais surtout celui d'une admiratrice du discours lynchien.




David Lynch



Eraserhead n'est pas un rêve, mais un cauchemar. Angoissant, pesant. Empreint d'un surréalisme plein de poésie malgré la noirceur du propos. Tout est sombre. Dès les premiers plans. Après un prologue que l'on ne comprend pas tout de suite, mais qui en fait est un rêve, Henry déambule dans une zone industrielle glauque. Tout est sale, laissé à l'abandon, tout sent la mort. Il se promène, nous fait découvrir son univers, on ne sait pas tout de suite où il va. Mais l'on remarque déjà à son comportement qu'Henry est différent. Sa démarche est particulière. Son pas atypique.Etonnamment, j'ai pensé à des scènes de films de Buster Keaton. Henry étant gauche, maladroit, mettant le pied dans la seule flaque aux environs. Il est vêtu d'un costume dans lequel on a un peu le sentiment qu'il a "grandi dedans". Sa position corporelle est très renfermée. Henry est un introverti, un angoissé. Henry est un homme torturé en quête du bonheur. Il fréquente une femme qu'il n'aime pas, Mary. On sent très clairement dès la première apparition de Mary qu'il y a un mur entre ces deux-là. La famille de Mary est une famille où chacun se tient à une "bonne" distance l'un de l'autre. Henry et Mary ont un enfant ensemble. Cet enfant est un monstre. Mais cet enfant, c'est la représentation de l'inconscient d'Henry. Seul lui peut s'en occuper. L'enfant se calme lorsque Mary ne supportant plus les pleurs de l'enfant quitte Henry et le laisse seul avec l'enfant difforme. L'enfant est comme Henry, solitaire.

Dès le départ de Mary, se succèdent pour Henry une série d'événements curieux. Henry rencontre la dame qui vit dans son radiateur. Une blonde au visage angélique, si ce n'est qu'elle possède une paire de joues disproportionnées. Cette femme chante dans le radiateur de la chambre d'Henry. Henry reçoit aussi la visite de sa belle voisine, avec laquelle il aura une relation sexuelle (vision de ce que sa vie pourrait réellement être). Henry fait ensuite un rêve où son cerveau est utilisé comme gomme au bout d'un crayon.

Revenu de ce rêve, Henry veut revoir sa voisine, mais il la découvre en compagnie d'un autre homme. Le bébé se moque d'Henry et rigole. Henry devient fou et tue l'enfant. Henry est soulagé, il a tué la bête. Un suicide mis en scène? Toujours est-il que le film s'arrête là, après que la dame du radiateur soit revenue chercher Henry.

Un film déroutant qui nous livre des scènes irréelles de manière brutale. Pas de distorsions du réel, non, tout est surréel d'entrée. Aucune possibilité pour le spectateur de s'accrocher à des éléments du réel, il n'y en a pas. Pas plus qu'il n'y a une vraie trame à laquelle se référer. Eraserhead est quasi irracontable. On peut sortir quelques éléments, mais ce qui prime, ce sont les ressentis. Eraserhead c'est un cinéma qui fait appel aux sens. Lynch nous ouvre tous les sens, nous laisse à vif, mais livrés à nous-même. Spectateur, débrouille-toi!

Le titre "français" d'Eraserhead est Labyrinth Man. Pour être un labyrinthe, c'est un labyrinthe. Mais un de ceux où l'on aime se perdre.

Eraserhead est un film dont personne ne voulait au départ. Trop atypique, dérangeant. Il entre alors dans le circuit des Midnight Movies. Séances de minuit qui ne doivent leur succès qu'au bouche à oreille. Dans ce même circuit, on trouve des films comme El Topo de Jodorovsky, Pink Flamingo de John Waters, The Rocky Horror Picture Show de Sharman, La Nuit des Morts vivants de Romero, The Wall d'Alan Parker ou encore Harold et Maud de Ashby! Des films dont on ne pourrait décemment plus se passer.

Votre Cinécution

TROIS FILMS... dont je ne parlerai jamais!

L'idée de faire un blog, ou d'écrire tout simplement,  pour partager ma passion pour le 7ème art, me trottait dans la tête depuis de nombreuses années. Mais la vie étant ce qu'elle est, on procrastine indéfiniment. Probablement que ce n'était pas le bon moment. Soyons philosophes! Alors j'écrivais sur plein d'autres choses, pour moi. Ce n'est que depuis quelques mois que je commence à montrer ce que j'écris. Alors pensez bien, tous ces yeux aujourd'hui qui lisent mes mots, ça me fait quelque chose.

Ma famille connaissait mon goût prononcé pour le cinéma. Je tenais une vidéothèque quand j'étais pré-adolescente et jusqu'à l'apparition du DVD en fait. J'enregistrais les films qui passaient à la TV. Je programmais le magnétoscope s'ils étaient diffusés tard (ce qui m'a valu d'avoir quelques fois de longues minutes de pub avant un film ou alors de rater le début d'un film).

On regardait ces films en famille, souvent le samedi ou le dimanche soir, autour d'une fondue. C'était quelque chose! Dans certains films, lorsqu'il y avait des scènes un peu plus intimes, c'était : "Les enfants, tounez la tête!". Je prenais un coussin, je me le mettais devant la figure. Mais derrière mon coussin, je tournais la tête et je regardais. Mes parents ne l'ont su que bien des années plus tard. C'est assez mignon quand j'y repense.

Tout ça pour dire que je me réjouis de vous parler de plein de films que j'aime profondément (et que vous retrouverez dans la rubrique "Les films du grenier"). J'espère vous donner envie de les voir ou de les revoir. Eventuellement même de vous déplacer dans les nombreuses scéances organisées par les ciné-club par exemple. Pour info, je ne suis membre d'aucun ciné-club. Je suis un électron libre.

Mais, il y a trois films dont je ne parlerai jamais! "Et pourquoi donc?" me direz-vous? Parce que je les aime tellement que mis à part vous dire : "RE-GAR-DEZ-LES!!!", je ne saurai quoi vous dire. Ou alors je vous en dirais tellement que vous me détesteriez de vous en avoir dit autant! Et ces trois films, ce sont lesquels?

Les fameux trois films

CITIZEN KANE d'Orson Welles (1941)

http://youtu.be/zyv19bg0scg

LA NUIT DU CHASSEUR de Charles Laughton (1955)

http://youtu.be/Y8dX6ZKJe2o

LE VOYEUR de Michael Powell (1960)

http://youtu.be/rrZAKcWuuq8

Tout ce que je peux vous dire, c'est que vous ne regarderez plus jamais un film, quel qu'il soit, de la même façon après avoir vu un de ces trois films.

Votre Cinécution

LA JETEE - Chris Marker - 1962

"L'histoire d'un homme marqué par une image d'enfance"

... comme nous l'annonce le narrateur en avant-propos. Oui, parce que ce film (d'une durée de 28 minutes) est dénué de dialogues. Seule la voix envoûtante de Jean Négroni nous transporte. La musique (de Trevor Duncan et des extraits de la liturgie russe) tient une place énorme, la bande-son en général est un personnage à part entière dans ce moyen-métrage.

  

Ce film est pour moi une énigme. A la fois fascinant, angoissant et d'une très grande poésie. Un film qui joue avec notre propre perception de la notion de "souvenir". Ces images qui a priori ne se distinguent pas des autres moments mais qui s'identifient comme "souvenir" des années plus tard, parce qu'elles ont laissé une empreinte.

Notre héros, qui n'a pas de nom, est à Orly, sur une jetée. Il est enfant. Tous les parents emmènent leurs enfants le dimanche à Orly pour voir les avions décoller. Un homme meurt sous les yeux d'une femme. Notre héros gardera en mémoire le visage de cette femme.

La 3ème guerre mondiale éclate. Les survivants se réfugient dans les souterrains sous le quartier de Chaillot (16ème arrondissement de Paris). Il est fait prisonnier et devient le cobaye d'expérimentations de voyages dans le temps. Des scientifiques cherchent à créer des trous dans l'espace-temps pour que "le passé et l'avenir viennent au secours du présent.". Notre héros est le cobaye idéal: le souvenir marquant de cette femme lui permet de ne pas "trop" souffrir lors des voyages dans le temps.

"Se réveiller dans un autre temps, c'est naître une seconde fois, adulte"

Des images commencent à apparaître... Les jours se suivent, les images s'enchaînent et s'entremêlent. Parmi elles, le visage de cette femme de la jetée surgit.

A l'image d'un album-photo que l'on feuillette. On fait des sauts d'une photo à l'autre. D'ailleurs, il est à relever que ce film est une succession de photos en noir et blanc, à l'exception, aux alentours de la 18ème minute d'une séquence filmée de quelques secondes.

Le 30ème jour, il la croise, dans ce monde sans date. Il lui parle. Elle l'accueille. "Ils sont sans souvenirs. Leur seul repère, le goût du moment qu'ils vivent.". Ils font une infinité de promenades.

Notre héros ne sait jamais s'il est dirigé, s'il invente ou s'il rêve.

Les scientifiques, estimant que l'expérience de voyage dans le temps a été concluante, il s'agit maintenant d'envoyer notre héros  dans le futur, afin qu'il ramène des technologies permettant de sauver l'époque à laquelle ils se trouvent.

Notre héros rencontrent des hommes du futur, capables eux aussi de voyager dans le temps. Ils lui demandent de les rejoindre... mais notre héros n'a qu'une seule envie: retrouver le monde de son enfance, et cette femme qui peut-être l'attend... Retour en arrière... il l'aperçoit sur la jetée, court vers elle... et là il comprend.

Petite précision sur la vidéo qui suit: il s'agit d'un montage et non de la bande-annonce originale, que je n'ai pas trouvée. La musique est signée Yann Thiersen.

Notons que ce film a fortement inspiré Terry Gilliam pour son Armée des 12 Singes en 1995.

 

ANECDOTE

David Bowie, fasciné par ce film, a inclu dans le clip de Jump They Say, une scène où il incarne le héros de la Jetée...dès 1'57'' => http://youtu.be/avJt0SQec0I

Votre Cinécution