LA PEAU DOUCE - François Truffaut - 1964

Cela vous est-il déjà arrivé? Avoir une envie irrépressible de revoir un film? C'est exactement ce qui m'est arrivé l'autre soir avec "La Peau Douce" de François Truffaut. Je n'avais qu'une seule envie depuis le milieu d'après-midi : revoir ce bijou, si mal reçu à sa sortie en 1964, tellement boudé, alors qu'il s'agit là d'un film sublime, mystérieux, que l'on pourrait facilement rapproché d'un Hitchcock. Triste aussi, ou plutôt mortifère, mettant en scène la réalité profondément déprimante de l'adultère.

Une voiture file à toute allure en direction de l'aéroport. Les passagers sont inquiets: Pierre arrivera-t-il a prendre son avion pour Lisbonne où il doit aller donner une conférence sur Balzac. Pierre, c'est Pierre Lachenay (Jean Desailly), un écrivain à succès, directeur d'une revue de littérature, qui parcourt l'Europe pour des séances de dédicaces ou pour des conférences. Il est marié et papa d'une petite fille, Sabine. Sa vie est celle d'un bourgeois ordinaire: un mariage qui fonctionne, une "mademoiselle" qui s'occupe de sa fille, un couple d'amis fidèles. Mais ce jour-là, une rencontre dans un avion va changer sa vie. Il croise le regard de Nicole (Françoise Dorléac), hôtesse de l'air. A sa façon de la regarder, on comprend rapidement que les deux seront amenés à se revoir. Chose qui se fera dans l'ascenseur d'un hôtel lisboète.

 

 

Suite à cette rencontre, il y a cette scène que j'affectionne : Pierre arpente le couloir qui le mène à sa chambre et regarde les paires de chaussures qui se trouvent devant les portes. Quelques fois il n'y a qu'une seule paire de chaussures, quelle soient féminines ou masculines, et d'autres fois, il y a deux paires de chaussures, ce qui nous laisse imaginer ce qu'il peut bien se passer dans l'intimité des chambres. Arrivé à sa chambre, Pierre s'empare du téléphone et contacte Nicole. Il s'excuse de son manque de galanterie (il ne l'a pas aidée à porter ses paquets) et il lui propose un verre. Ils se verront le lendemain. C'est le début d'une liaison que l'on pense, au départ, confinée à ce seul voyage . Or, de retour à Paris, il ressent le besoin de la revoir. Leur liaison continue.
 

Très vite, Pierre est invité à Reims pour donner une nouvelle conférence. Il y voit là l'opportunité de passer quelques jours avec Nicole. Malheureusement, les choses ne se passent pas vraiment comme prévu. Nicole se retrouve seule, délaissée, Pierre étant accaparé par ses hôtes et particulièrement par Clément (Daniel Ceccaldi), dont la logorrhée l'empêche de la rejoindre. Ils décident donc de fuir Reims et ses obligations pour rejoindre une auberge de campagne: La Colinière.

Nicole, épuisée, s'étend sur le lit et s'endort... Pierre entreprend alors de la déchausser, de remonter délicatement sa jupe jusqu'au haut des ses cuisses, laissant apparaître des jarretelles. Des effleurements, des caresses, et le bas glisse le long de la jambe de Nicole. Cette scène est d'un érotisme troublant, à la limite du fétichisme. Truffaut aime les femmes, et ça se voit.
 

De retour de leur week-end, Franca (Nelly Benedetti), qui a appris qu'il avait quitté Reims plus vite que prévu, n'est pas dupe. Elle quitte Pierre, non sans l'avoir quelque peu culpabilisé (cela fait deux nuits qu'elle ne dormait plus). Pierre, se sentant soudainement libre, court chez Nicole pour lui annoncer la nouvelle. Mais elle le quittera également.

Truffaut, dont c'est déjà le 9ème film en 1964, après des chefs-d'œuvre tels que "Les 400 coups",

"Tirez sur le Pianiste" ou encore "Jules et Jim", prouve dans ce films à quel point il adule les femmes. Les femmes ont le pouvoir, mais elles n'en perdent pas en féminité, au contraire! Il a cette capacité extraordinaire de sublimer la féminité dans ce qu'elle a de plus fragile, mais également dans ce qu'elle a de plus fort. Franca et Nicole, chacune à leur manière, prennent des décisions en plein jour et les assument jusqu'au bout, complètement conscientes des conséquences de leurs actes.
 

Si vous pensez vous trouver en face d'un nième film sur l'adultère, version vaudeville ou théâtre de boulevard, vous vous trompez lourdement. Ce film est d'un réalisme brutal. La position délicate et douloureuse de la maîtresse est magnifiquement mise en scène. Le couple marié, dans tout ce qu'il peut apporter comme désenchantement, est montré avec une justesse implacable, presque effrayante. Et la lâcheté de Pierre... cette lâcheté qui le fait tenter un retour vers Franca lorsque Nicole le quitte. La peur d'être seul? Sûrement plus que l'amour qu'il porte à son épouse. Il n'y a pas de poésie dans ce film. Oubliez le romantisme de la liaison adultérine avec son train de rendez-vous clandestins, d'acte amoureux dans des hôtels entre midi et deux ou entre cinq et sept... non! Le son du battant d'une grande pendule nous rappelle, que les secondes, les minutes passent , entraînant Pierre inéluctablement vers sa chute.

Au niveau visuel, Truffaut n'a pas peur de rester de longues secondes dans le noir... et d'utiliser la lumière ou l'absence de lumière comme on utiliserait une arme à feu. Stupéfiant!
 

J'écris ces quelques lignes en étant encore sous le coup de l'émotion. C'est un de ces films qui me fait réagir de manière physique: frissons de plaisir, tristesse, tensions, sourires même (notamment grâce au personnage de Clément). La musique n'est pas en reste: elle est composée par Georges Delerue et elle est bouleversante. Probablement mon film préféré de Truffaut ou du moins dans le top 3. Un très très grand film.

ST / 16 août 2015

FAHRENHEIT 451 - François Truffaut - 1966

Le Ciné-club universitaire de Fribourg a eu la gentillesse de me demander de venir parler de Fahrenheit 451 de Truffaut avant sa projection à 19h30. L’occasion pour moi de vous présenter ce film dans la rubrique « films du grenier ».

Il s’agit du 5^ème film de François Truffaut (il le dit lui-même, bien qu'il en ait fait deux de plus) après Les 400 Coups, Tirez sur le Pianiste, Jules et Jim et La Peau Douce. C’est son premier film en couleur et le seul qu’il tournera en langue anglaise.

C’est en 1960, lors d’un repas chez son ami Jean-Pierre Melville que Raoul Lévy, qui avait entre autre produit Et Dieu créa la femme, lui parle du roman de Ray Bradbury. Truffaut est tout de suite séduit, bien que n’aimant pas trop la science-fiction et étant peu enclin à écouter des histoires de martiens. Hors, dans le roman d’anticipation de Bradbury, point de martiens, mais il est question d’une société où le livre est banni, détruit. L’homme, privé de lecture est réduit à sa plus simple expression. Cela suffit à convaincre Truffaut, grand lecteur et amateur de littérature. A l’exception de deux romans de Henri-Pierre Roché (Jules et Jim et plus tard Les deux Anglaises et le Continent), Truffaut n’a jamais adapté de grands classiques de la littérature à l’écran, leur préférant la littérature anglo-saxonne et le roman noir. Alors la science-fiction… Truffaut aimait dire que ses adaptations de romans n’étaient pas simplement des « adaptations cinématographiques de romans », mais plutôt des « hommages filmés ». Fahrenheit 451 est, à sa façon, un hommage au roman de Ray Bradbury.

Il aura fallu pas moins de 6 ans pour que le projet aboutisse. Début 1962, Truffaut se rend  à New-York pour accompagner la sortie de Jules et Jim. Il y rencontre Ray Bradbury. Il négocie les droits du roman pour 40'000 dollars et rentre à Paris pour se mettre au travail. Truffaut avait d’abord dans l’idée de faire un film français avec des acteurs français. C’est ainsi que pour endosser le rôle de Montag, il avait pensé d’abord à Jean-Paul Belmondo, puis à Charles Aznavour qui avait tourné Tirez sur le pianiste. Il apparaît très rapidement que le film sera très cher. Tous les producteurs français se désistent les uns après les autres. En août 1962, Truffaut met ce projet un peu de côté pour se consacrer à son livre entretien avec Alfred Hitchcock : Le Cinéma selon Hitchcock, qui reste, aujourd’hui encore, le livre référence sur le cinéaste britannique.  

De retour à Paris, il travaille avec différents scénaristes ; Jean Gruault, avec qui il venait de travailler sur Jules et Jim, puis Marcel Moussy, avec qui il avait collaboré sur Les 400 Coups et sur Tirez sur le Pianiste. C’est finalement Jean-Louis Richard qui adaptera Fahrenheit 451. Début 1963, le scénario est prêt, mais il n’a toujours pas de producteurs.

Début 1964, la société de production de Truffaut, Les Films du Carrosse, est financièrement dans une situation délicate, ce qui force le réalisateur à sortir un nouveau film.  Ce sera La Peau douce. Un de mes films préférés de Truffaut.

Courant 1964, des producteurs américains, Lewis M. Allen et Vineyard Film sont intéressés à produire Fahrenheit 451. Mais ils mettent comme conditions que les rôles principaux soient attribués à des acteurs américains, ou du moins anglophones et que le film soit tourné en anglais. Truffaut songe alors à Paul Newmann pour interpréter Montag puis le rôle sera attribué à Terence Stamp. Pour le double rôle de Linda-Clarisse, Truffaut le confie à Julie Christie qui est alors en plein tournage de Docteur Jivago. Le rôle de Lara la rendra mondialement célèbre. Terence Stamp peu convaincu par cette distribution renoncera finalement au projet. C’est donc Oskar Werner qui sera Montag.

Reste à trouver un lieu de tournage. Truffaut pense tout d’abord à l’Italie, à Toronto, à Seattle ou encore la banlieue parisienne. Ce sera finalement dans les très célèbres studios Pinewood de Londres que se tournera la majeure partie du film. Toute l’équipe du film sera anglaise. A relever que le directeur de la photographie n’est personne d’autre que Nicolas Roeg qui entamera, dès 1970 un grande carrière de réalisateur, avec notamment comme œuvre phare Don’t look now avec Donald Sutherland et … Julie Christie. Un film que je ne peux que vous recommander vivement !

Et niveau musique, Truffaut est très bien accompagné. Ce n’est rien de moins que Bernard Herrmann qui signera les partitions de Fahrenheit 451. Herrmann qui avait déjà signé des partitions aussi fameuses que celles de Citizen Kane, La Splendeur des Amberson d’Orson Welles, L’aventure de Madame Muir  de Mankiewicz ou encore Sueurs froides, La Mort aux Trousses ou Psychose d’Alfred Hitchcock. Rien que ça… Il fait ainsi une infidélité à son complice musical de toujours, Georges Delerue.

C’est donc en janvier 1966 que le tournage peut débuter. Le film sortira en septembre de la même année.

L’histoire de Fahrenheit 451 se situe dans un état dictatorial et futuriste. Les pompiers n’éteignent pas des incendies, mais brûlent des livres. Une société qui se prive de son histoire en détruisant les livres a-t-elle un avenir ? Il n’y a pas de lieu précis, ni d’époque déterminée. Une histoire suspendue dans l’espace-temps. Le pompier Montag, au contact de Clarisse, découvre la lecture. Le premier livre qu’il tiendra entre ses mains est David Copperfield  de Charles Dickens. Il le découvrira comme en enfant, suivant les mots du bout de ses doigts. Avec cette première lecture s’impose très rapidement une question : puis-je être le propre maître de ma vie ou dois-je laisser la place à quelqu’un d’autre ?

L’écrit est absent de tout le film. Pas d’enseignes, pas de générique. Le générique de début est récité par une voix off. L’omniprésence d’écrans télévisuels interactifs dans les maisons, pose la question du contrôle totalitaire, de l’intrusion d’un régime dictatorial dans la vie privée des gens. L’absence de réflexion personnelle et le contrôle permanent. 

Le tournage a débuté par la prise de toutes les scènes qui seront projetées sur les différents écrans (prises de judo, leçon de maquillage, speakerines). A ce propos, il s’agit toujours de la même speakerine. Seuls les décors, les vêtements et les perruques changent. Dans la société recréée par Truffaut, l’humain n’est que peu intéressant puisqu'il peut être travesti à l'envie.

Ce film, dont le malaise retranscrit à l’écran et la représentation d’un certain déséquilibre, peut rappeler l’ambiance de certains films d’Alfred Hitchcock se termine néanmoins sur une note onirique qui peut rappeler l’univers de Jean Cocteau. Un monde où les hommes deviennent objets. Mais pas n’importe quels objets : des livres.

A voir au ciné-club universitaire de Fribourg, mardi 18 mars à 19h30 à la salle de cinéma 2029 de l'université, site de Miséricorde.

ST/16.03.2014

KAMA SUTRA - Mira Nair - 1996

Maya et Tara sont deux jeunes filles qui grandissent côte à côte. Une chose les différencie cependant : Tara est une princesse et Maya sa servante. Cela ne les empêche pas de prendre des cours de danse traditionnelle ensemble. Elles sont les meilleures amies du monde et sont inséparables.

En grandissant , la beauté de Maya devient remarquable, elle fait de l'ombre à la jeune princesse Tara qui est promise au prince régnant du royaume voisin, Raj Singh. Un prince opiomane, machiste, possédant un harem impressionnant. Lorsque, lors de la présentation de l'épouse à son futur mari, le prince ne remarque que Maya, Tara ne le supporte pas : elle lui crache à la figure et lui ordonne de rejoindre sa chambre, la renvoyant à son statut de servante.

Alors que les différents rituels qui précèdent le mariage ont cours, Raj se retrouve seul avec Maya et lui fait l'amour. Maya qui jusqu'à maintenant avait toujours porté les vieux saris de Tara lui a pris quelque chose qui lui appartient pour la vie : le corps de son mari. La famille de Tara répudie Maya. La rivalité entre les deux femmes est dès lors le centre l'intrigue.


Lors du rituel d'ablutions dans les eaux du Gange, Maya fait la connaissance de Jay Kumar. Jay est sculpteur à la cour du roi et les deux ne tardent pas à devenir amants. Comme elle ne sait où loger, il la présente à Rasa Devi : une magnifique femme qui fut, dans sa jeunesse, la première courtisane du roi. Elle initiera Maya aux mystères du Kama Sutra, cet art ancestral de l'amour. Au-delà de l'acte sexuel en lui-même, le Kama Sutra est l'art de la jouissance, pour les deux partenaires. Rasa inculque également à Maya que la femme a, tout autant que l'homme, le droit de désirer. Maya, après son initiation, est accueillie comme première courtisane à la Cour. Elle retrouve Tara et Raj Singh. La lutte, entre les deux amies d'enfance devenues rivales, se jouera sur un terrain sensuel...

Mira Nair, dans ce sublime film initiatique, ne se contente pas de nous livrer un mode d'emploi du Kama Sutra, ni de nous en exprimer les vertus bénéfiques pour notre vie sexuelle, elle met en lumière une femme en avance sur son temps. En effet, Maya, bien qu'issue d'une caste modeste, se refuse à toute servitude et prend sa vie en main comme elle l'entend. C'est une femme libre avant l'heure et qui use, et abuse, de ses charmes, pour arriver à ses fins. Mais c'est également une femme de caractère qui tient tête au roi. Ce film est une apologie du pouvoir sexuel de la femme. La femme n'y est pourtant pas décrite comme un objet sexuel, ou lorsqu'elle l'est, c'est uniquement dans le but de dénoncer cet état de fait.

Avec un titre aussi sulfureux, vous imaginez bien que la sexualité, la sensualité et l'érotisme sont présents. Cependant, ce n'est pas le propos prinicipal du film. L'histoire, universelle et peu originale (elle peut-être transposée à n'importe quelle époque et dans n'importe quel milieu), trouve sa force dans les personnages principaux et notamment dans celui de Maya. Une femme qui entend bien utiliser son corps comme elle le souhaite.

Mira Nair jette, dans ses films "Kama Sutra" ou "Monsoon Wedding", un regard fasciné et fascinant sur les traditions de son pays. Toutefois, elle ne se laisse pas aveuglée par la beauté des rituels, mais y pose également un oeil critique, en s'interrogeant sur la place réelle des femmes dans la société indienne. Dans sa filmographie, et plus spécifiquement dans "Salaam Bombay!"elle n'hésite pas à montrer une image plus méconnue de l'Inde, en l'occurrence le destin des enfants des rues souvent entraînés dans des réseaux de prostitution.

Mira Nair, une cinéaste engagée? Probablement. Même si "Kama Sutra" dépeint une Inde idéalisée (saris aux couleurs vives, palais magnifiques, temples superbes, philosophie...) il n'en est pas moins un film féministe engagé, mais également un film qui offre un éclairage sur le système des castes au travers de la sexualité comme l'a fait, quelques années plus tard, Ashutosh Gowariker et son film "Lagaan" qui expliquait ce système au travers d'un match de cricket. Entre le cricket et le Kama Sutra, je vous laisse choisir ... Même si j'adore ces deux films, moi, j'ai fait mon choix...

Votre Cinécution

VINYAN - Fabrice du Welz - 2008

Lorsque je suis grippée, j'ai pour habitude d'enfiler les vêtements les plus confortables de ma garde-robe, de préparer une grosse théière de thé au thym (bien dégueu, mais terriblement efficace), de sortir la couverture que ma mère m'a crochetée pour mes 30 ans, de me poser sur mon canapé et de visionner plein de films. C'est à ce jour le meilleur remède que je connaisse. Si on y ajoute un peu de paracétamol, l'état grippal se fait la malle en 48 heures.

 

Hier était un jour d'état grippal. J'ai donc sorti plusieurs DVD's dont "Vinyan" de Fabrice du Welz. En me penchant un peu plus sur les critiques parues lors de la sortie du film, je me rends compte que  je suis à contre-courant de pas mal d'entre elles. "C'est ton esprit de contradiction qui se manifeste une fois de plus!" diront certains de mes amis... Non, "Vinyan" est un vrai film de cinéphile: bourré de références, des belles images, des plans à tomber à la renverse. Pas besoin non plus d'être un énorme amateur de film de genre ou un cinéphile érudit pour apprécier "Vinyan".

 

 

Le titre d'abord. "Vinyan" signifie "âme errante qui hante les vivants". Et cette âme errante, c'est celle de Joshua, le fils disparu de Jeanne (Emmanuel Béart) et Paul (Rufus Sewell). Le petit a disparu lors du Tsunami de 2004. Jeanne et Paul sont restés sur place. Le film débute 6 mois après les faits. Le corps du petit n'a jamais été retrouvé, ce qui complique le processus de deuil des parents et plus spécialement celui de Jeanne qui conserve l'espoir que son fils est vivant, quelque part.

 

Lors d'une soirée, elle croit reconnaître la silhouette de son fils sur une vidéo. Cela la réconforte dans son intime conviction: Joshua est vivant. C'est une fuite en avant qui s'amorce: retrouver son fils coûte que coûte. Paul mettra tout son amour au service de sa femme pour tenter, tant bien que mal, de soulager sa douleur, allant jusqu'à payer les services d'un homme qui leur promet de retrouver leur enfant. Ils plongent alors dans la moiteur de la jungle birmane à la recherche de Joshua. Jeanne est régulièrement sujette à des hallucinations, ce qui la perturbe considérablement, et exacerbe le sentiment de vide qu'a laissé la disparition du garçon.

 

 

 

Le couple va être confronté, non seulement à des profiteurs, mais également aux croyances du peuple thaï et birman en matière de mort et du sort qui est réservé aux âmes. Où vont-elles? Quittent-elles réellement le monde des vivants? Tout ceci sans parler de la question essentielle du film : un couple confronté au décès d'un enfant, est-il encore capable de trouver un chemin l'un vers l'autre?

 

 

 

Du Welz livre un film émouvant et angoissant. Il est émouvant déjà de par la thématique: le décès d'un enfant, probablement la chose la plus incompréhensible au monde vu que cela n'est pas dans "la logique des choses", dans le cycle naturel. Angoissant ensuite par le climat que du Welz, grâce à l'excellent chef photo Benoît Debie (à qui l'on doit l'effroyable ambiance d'"Irréversible" de Gaspard Noé), crée et installe tout le long de son film. Plus le couple s'enfonce dans la jungle birmane, moins il y a de lumière et plus les plans sont oppressants.

 

Comme le dit du Welz : ".. ce n'est pas un film de fantômes traditionnel où les morts pénètrent le monde des vivants. Ici, ce sont les vivants qui pénètrent le monde des morts. L'idée était d'immerger un couple occidental qui refuse aveuglément la mort de leur enfant dans une partie du monde où la mort est une continuité de la vie. A mes yeux, un monde qui refuse avec tant d'obstination la mort et la vieillesse est un monde qui se dérègle. Le couple Bellmer incarne ce dérèglement".

 

Belle réussite que ce film qui, dès le générique au lettrage proche d'un film de Kubrick, est un film qui parle de l'amour de du Welz pour le cinéma de genre. On ne peut faire abstraction des références à "Ne vous retournez pas" de Nicolas Roeg, notamment dans le fait que la jungle birmane (a priori lieu qui fait rêver, avec ses temples, sa nature luxuriante, etc...) et utilisée comme Venise. C'est-à-dire: lieu paradisiaque par excellence, mais qui se retrouve à agir comme une prison sur les personnages, érigeant des murs imaginaires infranchissables pour la pensée et retranchant les personnages dans les méandres les plus sombres de leur esprit, ou avec le thème abordé: le deuil impossible de la perte d'un enfant qui conduit à la folie. Ou encore la scène où Paul fait l'amour à Jeanne dans la jungle: impossibilité du couple à retrouver un chemin l'un vers l'autre.

 

 

 

Deuxième référence: "Les révoltés de l’an 2000" de Serrador ou "Qui peut tuer un enfant?", traduction littérale du titre original. Sans vouloir dévoiler quoi que ce soit du dénouement du film de du Welz, on ne peut s'empêcher de penser à ce film paranoïaque des années 70. Sachez juste que le dernier plan du film, même s'il aurait pu être le plus dérangeant et le plus choquant, est le plus beau de tout le film,

 

Il y en a encore d'autres, notamment "Apocalypse Now", mais je vous laisserai les trouver vous-même. Je ne vais quand même pas vous mâcher tout le travail? Et puis quoi encore!

 

Partez à la découverte de "Vinyan"! C'est un voyage sans retour, qui vous maltraite, mais qui vaut la peine d'être entrepris.

 

 

 

 

Votre Cinécution

 

NB: Sachez que Fabrice du Welz sera prochainement l'invité de Cinécution.

 

LES PETITES FUGUES - Yves Yersin - 1979

"Les petites Fugues" : c'est la liberté à laquelle nous aspirons tous. La découverte de nouveaux espaces qui jusque-là nous étaient inconnus. C'est sentir le vent dans nos cheveux, la pluie sur notre visage, le soleil sur notre peau. C'est se sentir léger et avoir le sentiment de voler. C'est réaliser nos rêves. Et c'est monter jusqu'au sommet de La Berra avec son vélomoteur et écouter siffler les planeurs entre les sommets. C'est visiter une fabrique de chocolats. C'est assister à une course de motocross et tendre une belle pomme verte au vainqueur. Et c'est manger des glaces et gagner un appareil photo. C'est surtout l'histoire de Pipe.

 

Plus de trente ans que Pipe (Michel Robin) est garçon de ferme chez les Duperrey. Il travaille dur. Il est considéré comme un membre à part entière de la famille. Avec ses premières rentes AVS, il décide de s'acheter un vélomoteur. Luigi, le saisonnier qui travaille sur l'exploitation, l'initie à la conduite de ce drôle de vélo. Après des débuts laborieux, Pipe prend du plaisir à ses petites escapades. Tout d'abord le dimanche, puis ensuite sur semaine, négligeant son travail et provoquant la colère de son patron. Un jour qu'il part en balade, il se prend une jolie cuite et provoque un accident à son retour. C'est la police qui le ramène à la ferme. La mobylette est confisquée. Dans un accès de colère, Pipe va jusqu'à brûler son vélomoteur. Il lui reste son appareil photo qu'il a gagné à une foire populaire. Il mitraille et accroche les photos contre les murs de sa chambre, avec fierté: c'est son reportage sur la ferme. Ultime cadeau que Pipe s'offre: un vol en hélicoptère au-dessus du Cervin. Mais déçu que le somment de ce dernier est plat, il abrège le vol et rentre à la ferme, car "il a du boulot en-dessous", du moins c'est ce qu'il dit au pilote. Et c'est là que le père Duperrey annonce qu'il remet la ferme à son fils. Mais que va devenir Pipe? Il monte une dernière fois au sommet du tas de fumier...

 

 

 

 

Michel Robin, qui interprète Pipe, n'a que 49 ans au moment du rôle. C'est un tour de force et une véritable performance d'acteur. Il est remarquable et extrêmement touchant. Pipe, c'est un peu le garçon de ferme que tous ceux qui ont grandi en campagne ont croisé. Dans mon village, il s'appelait Hermann. C'était un vieux garçon qui se déplaçait en vélomoteur (!), qui levait un peu trop le coude et qui faisait peur à certains enfants. Il était un peu simple, un peu gauche, comme Pipe.

 

 

 

"Les petites Fugues", c'est un concentré de poésie, une ode à la liberté. A voir et revoir ne serait-ce que les quelques scènes d'anthologie qu'il contient: la scène de l'apprentissage de la conduite avec Luigi, la partie de carte payée en chocolat entre Pipe, Josiane et Luigi ou encore la séance d'auto-portraits que Pipe effectue dans sa chambre, entre autres...

 

 

Pour le surplus, je ne résiste pas à vous faire (re)découvrir le magnifique texte qu'avait écrit Freddy Buache, membre fondateur de la cinémathèque suisse et directeur de celle-ci de 1951 à 1996, à la sortie des "petites Fugues". Un délice!

 

Freddy Buache : La quête de Monsieur Pipe

 

"Depuis quarante ans, le vieux Pipe travaille dans la même ferme de Gros-de-Vaud. C'est dire qu'il occupe, sociale-ment, une place particulière, typique de la civilisation paysanne de nos régions, surtout jusqu'au moment de la mécanisation systématique de l'agriculture: dévoué, rude à la tâche, ce domestique de campagne, par son fidèle attachement au clan, fait partie de la famille dans tous les domaines de l'existence quotidienne ou sentimentale; on l'invite aux fêtes, il partage les soucis ou les plaisirs de ses employeurs et, pourtant, sur le plan précis des affaires d'argent (ou de gestion de l'entreprise), il reste un serviteur qui n'a pas le droit à la parole. En somme, Pipe est un esclave que le paternalisme des maîtres semble rendre heureux (il possède le gîte, le couvert, même un peu d'affection, et de quoi se payer un verre de vin le dimanche); mais ce bonheur apparent, proche à certains égards de celui que vivent les gens d'aujourd'hui dans leur rapport à l'Etat, masque mal un manque essentiel: celui de l'authentique liberté. Pipe va en faire l'apprentissage grâce à l'acquisition d'un vélomoteur, véhicule qui va lui permettre de s'approprier un espace qu'il fut contraint d'ignorer: celui des champs et des forêts au-delà de son habituelle aire de labeur, celui du lointain, celui du ciel. Le magnifique film d'Yves Yersin, par sa beauté fraternelle et sa vérité, montre avec lyrisme la découverte de cette liberté, les rêves qu'elle nourrit, les extases qu'elle procure, et ce qui sournoisement la menace. D'ailleurs, ce qui la menace en constitue le prix incalculable et, parce qu'il exprime l'inexprimable mystère de ce fondement de la condition humaine en partant d'un intelligent scénario qui maintient vivante la dialectique au coeur du poème, Yersin peut cerner continuellement la justesse naturaliste pour la dépasser dans le sens du chant. Jusqu'à un certain point de son récit, Yersin (je pèse mes mots !) signe un chef-d'oeuvre; jamais (Roméo et Juliette au village compris avec, bien entendu, l'ensemble du nouveau cinéma suisse) une création du septième art conçue et réalisée dans notre pays n'atteignit ce niveau de bouleversante évidence: nos réalités extérieures et intérieures saisies à vif dans leur particularisme, puis remodelées pour éclater en plein universalisme concret. L'élaboration très subtile du rôle effectuée par Michel Robin sous la direction du réalisateur n'y est évidemment pas pour rien: il incarne Pipe le Vaudois avec une exactitude confondante et le pousse au mythe.

Puis l'auteur s'intéresse de plus près aux actions des autres protagonistes, aux amours de Josiane avec Luigi, aux difficultés du fils avec sa fiancée et avec l'avenir de l'entreprise paysanne, aux soucis du père, aux douleurs inavouées et solitaires de la mère ; il développe des anecdotes annexes, s'attarde sur des situations secondaires, souligne des éléments qui touchaient mieux et en disaient plus, paradoxalement, lorsqu'ils étaient simplement esquissés autour de Pipe, car la réussite exceptionnelle du premier mouvement de ce spectacle tient à la façon de présenter et d'analyser l'ensemble par une seule de ses parties, de préciser sans cesse le thème général en dressant avec amour le portrait d'un individu.
A la fin, Pipe s'envole en hélicoptère et tourne autour du Cervin pour comparer ce pic célèbre avec l'image suspendue à la paroi de sa chambre que, depuis toujours, il admire en rêvant de s'en approcher. Amer constat: la pointe dorée au soleil couchant, symbole de grandeur et de pureté dans les cantiques et les prières patriotiques n'est qu'un amas de cailloux. Le tracteur a remplacé les chevaux. Le profit exige la culture intensive, l'élevage industriel, des calculs de rendement. Une civilisation qui ne manquait pas de souffrances ni d'injustices, mais qui possédait un rythme en accord avec les saisons, a disparu. Celle des technocrates et des fonctionnaires la remplace. Où, dans cette mutation, l'homme trouvera-t-il sa place ? Quel futur pour l'amical Pipe? Pour nous? " F.B.

Votre Cinécution

DON'T BOTHER TO KNOCK - Roy Baker - 1952

 

 

Sorti en 1952, "Don't bother to knock" (en français "Troublez-moi ce soir"), offre à la sculpturale Marilyn Monroe son premier grand rôle. Cantonnée depuis 1947 à de tout petits rôles (pour certains même pas crédités), le personnage de Nell Forbes permet de révéler une Marilyn qui existe au-delà de son image de bombe sexuelle.

 

 

J'ai découvert ce film à l'adolescence lors d'une soirée où je faisais du baby-sitting (oui chers parents, vos enfants sont gardés par des jeunes filles qui une fois les bambins couchés regardent la TV...). J'ai été touchée par cette femme que je n'avais vu à l'époque que dans des films légers, divertissants, mais néanmoins remarquables et majeurs, dans lesquels elle n'était que la ravissante idiote blonde ("Les hommes préfèrent les blondes", "Comment épouser un milliardaire" ou "Certains l'aiment chaud"). C'est avec ce film que mon admiration pour Marilyn est née.

 

Nell Forbes est une jeune femme qui débarque dans un hôtel parce que son oncle, groom dans l'établissement, lui a dégoté un job de baby-sitter pour la soirée. Elle est timide et réservée, parle très doucement et avec beaucoup de retenue. Elle doit s'occuper d'une petite fille pendant que les parents de cette dernière se divertissent au bar de l'hôtel. La petite couchée, Nell fouille dans les affaires de la mère. Elle essaie ses vêtements, ses bijoux, son parfum. Elle se met à rêver qu'elle est quelqu'un d'autre. Son regard croise celui de l'homme de la chambre vis-à-vis de la sienne. Ils se parlent tout d'abord de fenêtre à fenêtre et installent un jeu de persiennes des plus charmants.

 

 

 

 

A ce stade du film, on a tous les ingrédients pour nous faire croire que nous sommes en train de visionner une gentille comédie romantique... que nenni! "Don't bother to knock" est en fait une tragédie!

 

 

 

Jed Towers, le voisin, interprété par Richard Widmark, rejoint Nell dans sa chambre. Il lui fait du charme. Nell qui est émotionnellement instable et qui sort d'un séjour de 3 ans en institution, s'éprend immédiatement de ce séduisant voisin. Jed remarque, en voulant quitter la chambre, que Nell porte à ses poignets les stigmates d'une tentative de suicide. Il comprend dès lors que cette jeune femme est non seulement un danger pour elle-même, mais qu'elle est potentiellement dangereuse pour les autres. Son attitude face à l'enfant le prouve: elle ne sait comment faire pour qu'elle cesse de pleurer. Elle finira par ligoter l'enfant sur son lit.

 

 

 

 

Ce film a tout du huis-clos, se déroulant presque exclusivement dans la chambre de Nell. Les quelques excursions dans l'hôtel ne sont là que pour illustrer l'histoire parallèle qu'est celle de Jed et Lyn, la chanteuse du bar de l'hôtel, interprété par Anne Bancroft (inoubliable Mrs Robinson du "Lauréat") dont c'est le tout premier rôle, essentiellement chanté. On aurait souhaité ne pas quitter aussi souvent la chambre, afin de conserver la tension dramatique. Le film étant déjà court, 1heure 15, cela aurait intensifié le tout. Mais cela n'enlève rien à la beauté de ce film, même si certains ont vertement critiqué le manque de mise en scène, reprochant à Roy Baker de suivre les acteurs plutôt que d'installer un réel suspense.

 

Ce film révèle la véritable tragédienne qu'était Marilyn Monroe, sommet de cette nature profonde qu'elle atteindra avec "The Misfits" en 1961, soit un an avant sa disparition.

 

 

 

Marilyn avait à l'époque 26 ans. Elle possédait ce visage enfantin qui faisait hiatus avec ce corps à la féminité ravageuse. Sa troublante interprétation de Nell laisse la porte ouverte à plein de suppositions dignes des plus grands psychologues de comptoir. La jeune Norma Jeane ayant été placée dans différentes familles d'accueil pendant son enfance et son adolescence, sa mère étant internée,  s'est-elle inspirée de cette dernière pour donner vie à Nell? Cette voix si douce et ce phrasé si particulier seraient-il dûs au fait qu'elle bégayait adolescente? Ces questions restent ouvertes et il n'est pas nécessaire d'aller gratter plus loin, il convient juste de saluer la performance d'actrice.

 

"Don't bother to knock" sort un an avant "Niagara" de Henry Hathaway qui fera d'elle et pour les dix années qui lui restent à vivre, un sex symbol interplanétaire. Une femme autant adulée que détestée, mais dont le mythe, 50 ans après son tragique décès, est resté intact.

 

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BREEZY - Clint Eastwood - 1973

Alors que Clint Eastwood met ses fans quelque peu mal à l'aise en s'adressant, dans un monologue un peu confus, à une chaise vide, censée représenter Barack Obama, lors de la convention républicaine à Tampa, et que les réseaux sociaux s'affolent, je crois qu'il est temps de remettre les ponts au milieu du comté de Madison, la douche au milieu du vestiaire ou encore Blondin au milieu du désert! Remettons les choses à leur place... déjà que "Citizen Kane" n'est plus le meilleur film au monde (!), laissons à Eastwood les talents de comédien et réalisateur qui sont les siens!

Si certains dérapages sont inadmissibles, tel celui de Lars von Trier à Cannes en 2011, et il s'agit là d'un cas extrême, les tendances républicaines de Clint Eastwood ne sont pas nouvelles et on n'est pas en train de parler d'un parti d'extrême droite ou de propos néonazis...

Ce n'est pas la première fois qu'Eastwood est attaqué de front: Spike Lee l'avait vertement apostrophé pour "Mémoires de nos Pères", lui reprochant l'absence de soldats afro-américains dans son film, laissant sous-entendre un certain racisme de la part d'Eastwood. Mais c'est oublier que le même Eastwood a réalisé un magnifique film sur Charlie Parker, "Bird"! Ou en 2008, "Gran Torino". Même si au départ le personnage de Kowalski est profondément raciste, il évolue et devient tolérant et va même jusqu'à payer de sa vie pour que justice soit faite. Et c'est sans parler d'"Invictus" en 2009. Eastwood raciste?  Je ne le crois pas.

Ambigu, Eastwood? Peut-être. Sûrement. Sa filmographie en tant que réalisateur le prouve. Il s'est attaqué à des sujets aussi troublants que dérangeants tels que : les abus sexuels sur les enfants avec les traumatismes qui s'en suivent dans " Mystic River", la boxe féminine et l'euthanasie avec "Million Dollar Baby", l'adultère avec "Sur la Route de Madison", le double regard sur la bataille d'Iwo Jima qui opposa les américains aux japonais avec "Mémoires de nos Pères" et "Lettres d’Iwo Jima",  ou encore les amours particulières dans "Breezy", le film dont je vais vous parler.

Résumer Clint Eastwood à ce discours fait en "faveur" de Mitt Romney serait absolument ridicule.

Bon, après ce préambule qui a tout du plaidoyer, revenons à l'essence même de ce blog: le cinéma!

"Breezy" est le troisième film de Clint Eastwood. Il a été réalisé en 1973, après "Un Frisson dans la nuit" et  "L’Homme des hautes Plaines".

Alors que l'Amérique, et le monde entier, pleure encore sur les amours tragiques d'Oliver Barrett IVe du nom et Jennifer Cavalleri ("Love Story" d'Arthur Hiller, 1970), Eastwood réalise un film sur l'histoire d'un homme quinquagénaire qui s'éprend d'une jeune hippie de 17 ans. Même dans les années 70 très "open", ce film a un léger parfum de scandale. Mais au final, c'est un film qui parle d'amour, un point c'est tout.

Edith Alice Breezerman dite "Breezy" est orpheline de père et de mère. Après l'obtention de son diplôme de fin d'études, elle entreprend de prendre la route. C'est une jeune hippie, joyeuse, aux propos teintés d'angélisme, non dénuée d'humour. Une vraie pipelette, qui a son mot à dire sur tout et sur tout le monde. Elle n'a pas la langue dans sa poche. Elle prône la liberté de vivre, de penser. Lui, c'est Frank Harmon. Agent immobilier, la cinquantaine. Il vient de divorcer et se retrouve complètement aigri, refusant tout attachement, de quelque nature que ce soit.

Ces deux-là vont se croiser. Au départ, on pense que Breezy (Kay Lenz)  est une petite arriviste qui tire profit de toutes les situations, mais on se rend rapidement compte qu'elle n'est que sincérité et spontanéité. Franky (William Holden), quant à lui représente l'American Way of Life vu par la droite conservatrice: un tantinet orgueilleux, riche, macho et vaniteux. Mais en réalité, c'est un homme plein de douceur, j'en veux pour preuve le moment où il sauve un chien d'une mort certaine. Scène du premier conflit entre Breezy et Franky comme elle l'appelle affectueusement.

Ils vont entamer une liaison, qui va les mettre face aux préjugés de la société, mais qui surtout va les mettre face à leurs propres désirs et attentes.

Une histoire d'amour sans gros cataclysme, mais d'une grande sincérité. Elle touche par sa simplicité apparente. Mais en fait, ce sont deux Amériques qui se rencontrent: celle plutôt libérée, utopiste et celle avide de pouvoir, d'argent et de conquêtes.

Ce film pourrait faire penser à une énième histoire de Lolita, mais étrangement, malgré la très grande différence d'âge qui sépare les deux personnages, on ne ressent aucun malaise contrairement à celui que l'on éprouve en lisant l'oeuvre de Nabokov ou en visionnant l'adaptation très controversée qu'en a fait Stanley Kubrick en 1962 (controversée, dérangeante, mais remarquable!).

C'est une histoire touchante, un peu mièvre diront certains. Mais il reste que ce film a un peu tout du conte de fées. Les images sont magnifiques, la réalisation sublime, les clichés liés au mouvement hippie soigneusement évités (mis à part le fait que Breezy ne porte pas de soutien-gorge). Même si Eastwood a fait nettement mieux plus tard dans le registre "histoire d'amour", avec "Sur la Route de Madison", "Breezy" doit être vu au moins une fois, parce qu'il est plein de charme. Et le charme, finalement, plus que la beauté, c'est l'ingrédient qui fait que l'on tombe amoureux.

Donc, regardez "Breezy" et tombez amoureux... la musique de Michel Legrand vous y aidera aussi!

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LAST TANGO IN PARIS - Bernardo Bertolucci - 1972

J'ai découvert "Le dernier Tango à Paris" lorsque j'étais jeune adolescente, je devais avoir 14 ans, quelque chose comme ça. J'allais à l'école secondaire en ville et j'avais, avec l'autorisation de mes parents, une carte de vidéo-club. J'allais donc régulièrement après les cours, louer des vidéos pour les voir à la maison et pour les faire partager à ma famille. "Le dernier Tango à Paris", celui-là, je l'ai loué en cachette. Le propriétaire du vidéo-club, qui savait que j'étais une grande cinéphile (malgré mon jeune âge), m'autorisa à louer "Le dernier Tango à Paris", bien qu'il était interdit aux moins de 18 ans.

Le grand défi, c'est aussi de vous parler de ce film que j'aime sans passer pour une tordue, tant ce film a une connotation sexuelle, perverse. C'est un film cru, sans concessions. Bertolucci se laissait littéralement diriger par Marlon Brandon, lequel a beaucoup contribué à la réputation sulfureuse de cette pellicule. La scène la plus connue, même de ceux qui n'ont jamais vu le film (!), est celle de la plaquette de beurre et de la sodomie qu'impose le personnage de Brando à Jeanne, interprétée par Maria Schneider. Mais résumer ce film à cette seule scène est une grosse erreur! C'est la rencontre de deux êtres désespérés. Jeanne est jeune, amoureuse de son compagnon qui joue à faire le cinéaste, totalement consciente de l'effet que son corps produit sur les hommes. Une jeune femme qui a besoin de plaire, de se sentir désirable. Paul, quant à lui, est un homme dans la fleur de l'âge, mais rongé par le suicide de sa femme Rosa. Il est inconsolable. On a l'impression que la seule façon pour lui de se sentir encore vivant est d'abuser du sexe. Le sexe procurant une sensation de vie, de puissance, à cet homme qui prend l'ascendant sur une jeune femme à qui, il fait, d'une certaine façon, découvrir la sexualité dans sa nature la plus crue. Pas de sentiments, pas de noms : du sexe.

Ce film a fait scandale à sa sortie et a marqué les mémoires. En Italie, lorsqu'il sortit en décembre 1972, il fut aussitôt interdit et un long procès s'en suivit. Le film n'a été réhabilité qu'en 1987 et les italiens purent alors le voir. En Espagne, qui souffrait alors sous le régime de Franco, le film fut aussi interdit. Les espagnols faisaient alors le voyage vers la France, pour voir ce film qui était devenu un symbole de liberté et de désir d'ouverture dans les dernières années de la dictature.

Le film débute sur un quarantenaire, Paul (Marlon Brando) qui jure en entendant passer le train. Le bruit du train l'insupporte. Passe alors une jeune femme, Jeanne (Maria Schneider). Elle est vêtue d'un long manteau blanc et d'un chapeau en feutre noir surmonté d'une fleur violette.

Elle est en quête d'un appartement à louer. Elle en visite un et tombe sur Paul qui lui aussi a jeté son dévolu sur le même bien. Rapidement, ils font l'amour. Mais pas de noms. Paul ne veut pas savoir qui elle est. Chacun repart de son côté. Ils se reverront et deviendrons amants. Leur histoire, intense et passionnelle, ne durera que quelques jours.

L'appartement où ils se rencontrent agit comme un cocon qui les préserve non seulement du temps, mais également du regard inquisiteur que pourrait poser la société sur un tel couple. Paul provoque Jeanne dans des jeux érotiques, il impose également sa vision de la sexualité et ses propres codes.
Ce qui choque le plus, ce sont les propos : les scènes de sexe se situant, même si elles sont explicites, dans l'imaginaire du spectateur, tant les détails qui sortent de la bouche du personnage de Brando ne laissent planer aucun doute sur ce qu'il est en train de se passer.

Les scènes les plus puissantes du film sont, à mon avis, celle où Paul se recueille dans la chambre mortuaire de son épouse décédée et qui révèle, s'il était encore besoin de le faire, le talent fou de Brando, celle du grand concours de tango où le discours et le comportement des amants contrastent avec celui des danseurs à l'élégance toute argentine et bien sûr, la course poursuite dans les rues de Paris où Paul poursuit Jeanne qui déjà ne l'aime plus. La fin est tragique, digne des plus grandes histoires d'amants maudits.

J'espère vous avoir donné l'envie de (re)découvrir "Le dernier Tango à Paris". Mesdames, sachez que Marlon Brando n'aura jamais été aussi séduisant que dans ce film et messieurs, Maria Schneider est sublime. Voyez, revoyez ce film, forgez votre propre opinion et passez outre les clichés qui circulent à son propos: c'est un chef-d'oeuvre qui vous marquera à jamais.

Vous voulez en savoir plus, notamment sur l'influence des peintures de Francis Bacon sur Bertolucci, c'est ici.


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THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW - Jim Sharman - 1975

"The Rocky Horror Picture Show", c'est un des incontournables de ce que l'on appelle les "Midnight Screenings": les séances de minuit. Ces séances qui ont permis à tant de films non seulement d'exister, mais de devenir, avec le temps, cultissimes. J'en veux pour preuve: "Eraserhead" de Lynch, "La nuit des morts-vivants" de Romero, "Pink Flamingos" de Waters et j'en passe et des meilleurs. "The Rocky Horror Picture Show", c'est tout à la fois: du sexe, de la musique décalée, un hommage aux films d'horreur, de science-fiction. Un grand melting pot déjanté! Pour notre plus grand plaisir. C'est aussi l'adaptation grandiose, au cinéma, de "The Rocky Horror Show", une comédie musicale de Richard O'Brien qui fut créée à Londres en 1973.

L'histoire se résume assez facilement. Brad (Barry Bostwick) et Janet (Susan Sarandon), deux étudiants bien propres sur eux sont au mariage de leurs meilleurs amis. Brad saisit l'occasion pour demander la main de Janet. Elle accepte. Ils prennent alors la route pour aller annoncer la bonne nouvelle à leur ancien professeur, le professeur Scott. Sur le chemin vers Scott, ils tombent en panne en rase campagne. Comble de malchance, il pleut. Trempés jusqu'aux os, ils frappent à la porte d'une espèce de manoir. Ils sont accueillis par Riff Raff (Richard O'Brien !) et Magenta (Patricia Quinn), deux domestiques complètement allumés. Brad et Janet ne soupçonnent pas encore qu'ils viennent de mettre les pieds dans un univers de fous: la convention annuelle transsylvanienne.

Le maître des lieux? Le Dr Frank-n-Furter (Tim Curry). Un savant fou transsylvanien, bisexuel. Tout un programme! Janet s'évanouit lorsque Frank-n-Furter apparaît maquillé à outrance et vêtu d'une guêpière, de bas et portant des talons aiguilles d'une hauteur insolente.

Frank-n-Furter propose à Brad et Janet de le suivre dans son laboratoire afin de leur montrer l'homme qu'il a crée: Rocky. C'est presque nus que nos deux anti-héros se retrouvent dans le laboratoire de Frank. Ils assistent, ainsi que tous les habitants du manoir, à la naissance de Rocky: un homme au corps de dieu grec, et tout blond, auquel Frank a donné vie uniquement pour se satisfaire sexuellement. Tout ce petit monde est surpris par l'arrivée d'Eddie (Meat Loaf). Frank, énervé d'avoir été dérangé, tue Eddie. Ce petit incident clos, Frank poursuit de présenter Rocky de façon élogieuse.

La cérémonie de présentation terminée Brad et Janet rejoignent leur chambre respective. Frank les rejoindra tour à tour et les initiera aux joies du plaisir de la chair. Coquinou! Prise de remords, Janet cherche Brad et rejoint le laboratoire. Elle découvre l'infidelité de Brad avec Frank. C'est alors qu'elle entame une chanson suppliant Rocky de la toucher : "Touch me, touche me, I wanna feel dirty!".

Le Dr Scott fait son entrée au manoir. Il est l'oncle d'Eddie. Il révèle à Brad et Janet que Frank et tout son entourage sont en fait des extraterrestres. Frank transforme alors Brad, Janet et le Dr Scott en statues de pierre, le temps de les habiller de sous-vêtements sexy. Il les oblige ensuite à participer à un spectacle de cabaret au sein même du château. Riff Raff interrompt le spectacle et tue tout le monde à l'exception de Magenta, Brad, Janet et le Dr Scott. Il leur ordonne de quitter le manoir. Manoir qui en fait est un vaisseau spatial. Le manoir décolle et Riff Raff et Magenta retournent sur la planète Transsexuelle, dans la galaxie de Transsylvanie.

Une des nombreuses particularités de ce film, est la présence constante d'un narrateur. Il s'agit d'un criminologue. Il intervient non seulement au travers de sa voix, mais également sous forme de petits tableaux, notamment pour nous expliquer la danse du "Time Warp".

Je crois que vous aurez compris que j'adore ce film. Non seulement il est déjanté, mais la musique est absolument géniale! Ce film est, depuis sa sortie en 1975, projeté partout à travers le monde et de façon ininterrompue. 37 ans qu'il est à l'affiche. A Paris, il existe même un cinéma qui ne vit presque exclusivement que sur ce film : le studio Galande, dans le quartier du Marais. Si quelqu'un veut faire une fois le voyage avec moi: welcome!

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